El patrón bajo el arado: la “vieja y extraña Gran Bretaña” en la película | de los archivos de Vista y Sonido

Al principio de Alfredo el grande (1969), un drama de época de la Edad Media que rara vez se proyecta hoy en día, el joven rey Alfred (David Hemmings), vestido con un traje de combate rojo y dorado, es salpicado de sangre en una feroz emboscada contra un ejército de daneses merodeadores. A medida que la orgía de empalados, apuñalamientos, lanzamientos y desmembramientos alcanza un punto álgido en un torbellino de estruendos y gritos de guerra, la cámara de repente comienza a elevarse, ofreciendo una vista del combate a ojos de cernícalo.

Este campo de batalla es blanco como la nieve, pero a medida que el mirador se vuelve aún más vertiginoso, el blanco se revela como un caballo galopante gigante grabado con tiza en la ladera, inspirado en el Caballo Blanco de Uffington en Oxfordshire. El rey, a quien anteriormente se le ha mostrado que renuncia al sacerdocio para dirigir a su pueblo, está librando una batalla por el alma espiritual de la nación, alejándose de la amenaza pagana, en una tierra que está visiblemente marcada por el arte indígena precristiano.

La secuencia solo dura unos segundos, pero es un detalle revelador de una película realizada en el corazón de un momento extremadamente fértil, pero rara vez reconocido, en el que las industrias creativas británicas examinaron inconscientemente el “asunto de Gran Bretaña”.

Esta función apareció originalmente en nuestro número de agosto de 2010

Esta función apareció originalmente en nuestro número de agosto de 2010

En música, 1969 fue un punto álgido para el movimiento folk-rock, con álbumes como Liege y Lief de Fairport Convention, Anthems in Eden de Shirley y Dolly Collins y Basket of Light de Pentangle que saqueaban archivos folclóricos centenarios en busca de inspiración, mientras Nick Five Leaves Left de Drake invocaba los arreglos de cámara pastorales de compositores ingleses como Vaughan Williams, Finzi y Warlock. (Tres años más tarde, el propio Hemmings financió Swaddling Songs de Mellow Candle, un disco irlandés de folk ácido recientemente anunciado como un clásico de culto).

La tendencia del “ instrumento de época ” en la música antigua acababa de surgir, encabezada en el Reino Unido por David Munrow, un entusiasta adoptante de la chirimía y el crumhorn que contribuyó no solo al disco de los Collin, sino también a varias bandas sonoras de películas de la época. , incluyendo The Devils (1971) de Ken Russell.

Shirley y Dolly Collins & amp; # 8217; s Anthems in Eden (1969)

Himnos de Shirley y Dolly Collins en el Edén (1969)

La reconstrucción del período estaba en el aire: 1968 vio la fundación de Sealed Knot, una sociedad dedicada a recrear las escaramuzas de la Guerra Civil inglesa con el atuendo completo de Cavalier y Roundhead, mientras que la década aproximadamente de 1966 a 1976 produjo una variedad de dramas cinematográficos de vestuario.

Se representó un enorme espectro de la historia británica, especialmente la era Tudor: Ana de los mil días (1969, sobre Anne Boleyn), Un hombre para todas las estaciones (1966, sobre Thomas More), Mary, Queen of Scots (1971) y Enrique VIII y sus seis esposas (1972) – en sí misma una adaptación a la pantalla grande de Las seis esposas de Enrique VIII de la BBC – así como la inmortal interpretación de la BBC de 1971 de Glenda Jackson Elizabeth R (ambos con el conjunto de Munrow). Luego, entrando en la era de la Guerra Civil, vino Cromwell (1970) y Winstanley (1975), sobre el excavador en busca del paraíso terrenal.

Desde los reinos de la mitología, puedes ver Arturo de los británicos (1972) en HTV, mientras que los cines nos ofrecieron al héroe de Sherwood Forest en Un desafío a Robin Hood (1967) y Robin y Marian (1976), y más vegetación medieval en Gawain y el Caballero Verde (1973), adaptado por David Rudkin y protagonizado por el cantante Murray Head.

Mientras tanto, de las páginas de la literatura inglesa surgieron una serie de visiones del pasado: Julie Christie y Alan Bates paseando por el Dorset de Hardy en el de John Schlesinger. Lejos del mundanal ruido (1967); La decadente adaptación de D.H. Lawrence de Ken Russell Mujer enamorada (1969); La versión elegíaca de Joseph Losey del set de Norfolk de L.P. Hartley El intermediario (1971); y la sombría iteración de Stanley Kubrick de Thackeray Barry Lyndon (1975).

El ojo de anticuario

Lejos del mundanal ruido (1967)

Lejos del mundanal ruido (1967)

El drama de época británico se celebra ahora, en gran parte sobre la base de los elencos estelares y los elegantes decorados de las adaptaciones televisivas de Dickens, Austen, Gaskell, Brontë y otros en las décadas de 1990 y 2000. Pero la gran época del drama de época, desde mediados de los sesenta hasta mediados de los setenta, es de verdes y sombras apagados, barro, suciedad, cielos grises y lluvia, donde el paisaje es más que un telón de fondo pintoresco.

Así como la música clásica británica del siglo XX rara vez se considera tan seriamente como la vanguardia modernista del serialismo y el modernismo, ciertos aspectos del cine británico tienden a sufrir en comparación con los grandes autores franceses, alemanes, italianos y japoneses.

Pero tal vez sea hora de admitir que ciertos rasgos indígenas han sido ignorados por los críticos de cine durante demasiado tiempo. El cine británico es comparable a su patrimonio arquitectónico, ya que ambos, en general, han demostrado ser menos buenos para incorporar tendencias y formas de vanguardia, pero muy buenos para adaptar glorias pasadas (gótico, falso Tudor, neoclásico, etc., en términos de arquitectura). ). Al igual que con el resultado de la Revolución Inglesa, el radicalismo nunca está lejos de la Restauración.

El patrón bajo el arado: la "vieja y extraña Gran Bretaña" en la película | de los archivos de Vista y Sonido

Entonces, ¿podemos identificar una tendencia cinematográfica específicamente británica, más un trasfondo generalizado que una tradición o género, que podría acomodar algunos de estos rasgos? La cultura británica exhibe con frecuencia e incluso celebra el deseo de centrarse en la esencia histórica del lugar y filtrar las intrusiones modernistas; o imaginar espíritus enterrados de un lugar irrumpiendo en el presente. Junto a esto corre la omnipresente mística de lo pastoral, el tira y afloja entre la nostalgia y el progreso, la tensión sociopolítica entre el campo y la ciudad.

Estas tendencias se han exhibido desde el gran apogeo eduardiano del coleccionismo de canciones populares: la tradición de la pintura de paisajes místicos de Paul Nash, Eric Ravilious, Stanley Spencer et al; los “poetas georgianos” como Rupert Brooke, Richard Aldington y Edward Thomas, o visionarios como David Jones y Geoffrey Hill; novelistas como Arthur Machen, John Cowper Powys y Alan Garner. El sentido del pasado que yace justo detrás del presente – “el patrón bajo el arado”, como lo expresó el folclorista George Ewart Evans – es una característica clave del arte británico, especialmente inglés, del siglo pasado. Llamemos a esta tendencia el “ojo de anticuario”.

Lejos de los verdes exuberantes y los cielos azules de los dramas de vestuario más recientes, la cinematografía de Arthur Grant demostró ser muy influyente en una paleta más apagada de fotografía al aire libre en el cine británico. Como director de fotografía de Hammer Films entre finales de la década de 1950 y su muerte en 1972, Grant eliminó el noir expresionista gótico, cubierto de telarañas e iluminado por el estudio, que había dominado el horror desde la era del cine mudo alemán.

También adoptó una estética completamente diferente a la de su contemporáneo en Hammer, Jack Asher, que comerciaba con colores espeluznantes y no realistas. En películas como La tumba de Ligeia (1964), Plaga de los zombis (1966) y El diablo cabalga (1967), Grant filmó en lugares reales al aire libre, utilizando luz natural para representar la tierra en terracota fangosa y grises sombríos. (También estuvo detrás de la cámara para la oscuridad londinense de Quatermass and the Pit de 1967).

El general cazador de brujas (1968)

El general cazador de brujas (1968)

Un claro heredero de la técnica de Grant fue el celebrado Michael Reeves General cazador de brujas (1968), ambientada en un Suffolk de la Guerra Civil interpretada en estilo realista sucio. En los campos abiertos y los pantanos de East Anglia, Reeves y su director de fotografía John Coquillon (que más tarde filmaría Los perros de paja de Sam Peckinpah en un pueblo remoto de Cornualles) descubrieron los amplios cielos que marcaron los westerns de la época.

Al año siguiente, Chris Menges apuntó sus cámaras hacia el cielo sobre Sheffield, enfocando su mirada en un ave de presa para Ken Loach. Kes. Teniendo lugar en la periferia de la ciudad industrial, la película muestra el intento de libertad del joven Billy a través de su administración de un cernícalo; Sus sesiones de cetrería implican atravesar un portal de madera verde para llegar a los prados abiertos donde deja volar a Kes, acompañado por la flauta de Harold McNair, cuyo instrumento también revoloteó a través de discos de folk-rock de la época de Donovan y John Martyn.

Akenfield (1974)

Peter Hall’s Akenfield (1974) se rodó en varios pueblos de Suffolk y se proyectó con habitantes de la vida real. Es un himno visual edénico, en el que se considera que la Primera Guerra Mundial representó un punto de inflexión para el estilo de vida local. Un niño, Tom, asiste al funeral de su abuelo, que nunca abandonó su pueblo después de regresar de las trincheras. Tom está sujeto a presiones comparables: ¿debe quedarse o irse, y sufrirá los mismos fracasos que su antepasado si abandona su casa rural?

La película se rodó durante todo un año y el paso de las estaciones está incrustado en su grano. Hall y el camarógrafo Ivan Strasburg, junto con una banda sonora que comprende Fantasía Concertante sobre un tema de Corelli de Michael Tippett y canciones populares arregladas por Dave y Toni Arthur, “capturan[d] una parte de Inglaterra de una manera que pocas películas han hecho desde la muerte de Humphrey Jennings ”, como observó un crítico de un periódico. “Una rara obra de arte, tan perfectamente compuesta como un cuadro de Constable”, exclamó otro. Proyectado en televisión y en cines en 1974, el tono de época exquisito y poco sentimental de Akenfield causó una fuerte impresión en el público en medio de la crisis del petróleo, atraído por alternativas más simples y pastorales a la vida moderna.

El retrato documental reciente de Gideon Koppel del pueblo galés de Trefeurig, dormir furiosamente, es una elegía pictórica muy en el molde de Akenfield, cuyo ritmo se deriva del ritmo de la vida del pueblo mismo, con una mundanidad exteriormente relajada que oculta el estoicismo frente al cambio.

El halcón y el huracán

Un cuento de Canterbury (1944)

Un grupo de viajeros medievales galopa a través de los helechos matorrales del Camino de los Peregrinos, hacia el imán espiritual de Canterbury. Un caballero quita el capote de su halcón, mirando al cielo mientras vuela. La escena se corta abruptamente: el halcón se transforma en un avión de combate Hurricane de la Segunda Guerra Mundial volando bajo sobre el campo, y vemos la misma cabeza de caballero en la misma actitud, ahora vestida con una boina militar de los años 40.

Powell y Pressburger’s Un cuento de Canterbury (1944) es uno de los exámenes ficticios más concentrados de la “condición inglesa” producidos durante los años de la guerra. El paisaje rural de Kent es el telón de fondo constante mientras la acción se desarrolla en un pueblo donde el herrero local todavía ejerce su antiguo oficio, la madera se corta y se prepara de acuerdo con métodos consagrados y el correo se entrega a caballo y en carro. La película está impregnada de la persistencia de la memoria histórica. Muchas tomas están compuestas de tal manera que la escena podría establecerse en cualquier momento en los 600 años entre la era de Chaucer y el siglo XX.

Ciertos sectores de la crítica musical especializada en este momento están obsesionados con la noción de ’embrujo’, esencialmente un método que implica muestrear e invocar ecos fantasmales de músicas del pasado, a menudo mezclando referencias de cine y televisión de culto. Avanza desde Powell y Pressburger’s Canterbury hasta la década de 1970, y las películas de información pública tan queridas por los músicos hauntológicos como Broadcast, Focus Group y Moon Wiring Club.

Para anunciar su red rural de hitos en forma de bellota, la Comisión del Campo hizo un cortometraje que mostraba el tipo de mochileros resistentes que esperaban animar a pasear por los caminos rurales y los caminos de herradura de Gran Bretaña. Pero entonces los fantasmas de una lechera y un juglar encapuchado se materializan y vuelven a desvanecerse por los mismos senderos.

Emanaciones embrujadas similares pueden detectarse en muchos programas de televisión infantiles de culto duraderos del mismo período. Los cambios (1975), basado en una trilogía adolescente de ficción especulativa de Peter Dickinson, postula una reversión masiva al ludismo, ya que toda la población destruye sus bienes y maquinaria tecnológicos e instiga una sociedad agraria, supersticiosa e intolerante en la que cualquier mención de las máquinas o la modernidad es condenado como herejía. Los dos niños protagonistas deambulan, confundidos y perseguidos, en este desierto británico de viajes por canales, agricultura primitiva y brutalidad descuidada.

El servicio del búho (1969)

Otra variedad de programación para niños agrega lo sobrenatural a la mezcla: ITV Hijos de las Piedras, por ejemplo, o la adaptación de 1969 de la novela de Alan Garner El servicio del búho. Este último se deleita en la profundidad del valle de Gales donde se encuentra el libro, los ángulos de cámara puros enfatizan su total lejanía de cualquier otro asentamiento humano. Con el elevado risco de Cader Idris (‘El asiento de Arturo’) que se cierne oscuramente sobre la acción, y la piedra megalítica que actúa como un portal a las acciones que tuvieron lugar en la época de los mitos de la Mabinogión galesa, es un paisaje ritual en que un Albion más viejo y extraño se asoma por las grietas.

En un contexto similar, vale la pena mencionar el documental folclórico realizado a principios de la década de 1950 por Peter Kennedy y Alan Lomax como parte del vibrante revivalismo folclórico de esa década. Oss Oss Wee Oss (1953) fue filmada durante las celebraciones del Primero de Mayo en Padstow en Cornualles, una de las extrañas supervivencias cuya fecha real de origen es casi imposible de rastrear, pero cuya extrañeza apunta a una Inglaterra de la que la modernidad está casi aislada.

La extraña secuencia de pub de la película y el carnavalesco del desfile de Obby Oss logran hacer que este pequeño pueblo de pescadores aparezca tan peculiar y exótico como Haití en las películas de rituales vudú de Maya Deren, realizadas casi contemporáneamente en 1954. La película de Kennedy y Lomax retrata el ritual popular como una comunión atávica con los antepasados.

Réquiem por un pueblo (1975)

Réquiem por un pueblo (1975)

En un modo diferente, David Gladwell Réquiem por una aldea (1975) es un curioso híbrido, una película de ensayo que se desliza hacia la ensoñación y la fantasía. La comunidad de Witnesham en Suffolk (en realidad, a solo unas millas al oeste de Charsfield, ubicación de Akenfield) es típica de muchos pueblos de Inglaterra en la década de 1970, su centro medieval está flanqueado por nuevos desarrollos de vivienda y circunvalaciones.

El anciano director del cementerio local (Vic Smith) es cada vez más propenso a ver visiones de su vida pasada en estos campos ante sus ojos. Finalmente es derribado de su bicicleta por un escuadrón de motociclistas (fatídicos descendientes, sin duda, de la pandilla de ciclistas que merodean por las calles de Weymouth en la película de ciencia ficción rural de 1961 de Joseph Losey The Damned) y sus últimos momentos son como algo fuera de lugar. de una imagen barata de zombis, con tumbas que se abren y eduardianos emergiendo de sus tumbas de tierra para disfrutar juntos de una acogedora danza folclórica final en el cementerio.

Sueños y viajes

El camino abierto (1926)

El “English Journey”, para tomar prestado el título del libro de 1925 de J.B. Priestley, es un método popular para evaluar el estado de ánimo y el tenor de la nación. El mismo año, la película de Claude Friese-Greene El camino abierto documentó un viaje en automóvil desde Land’s End hasta John O’Groats. Inicialmente pensado como una demostración técnica del nuevo proceso de color natural Friese-Greene totalmente británico de su padre William, The Open Road sobrevive como un documento social y visual de punta a punta de las islas británicas entre guerras.

Paralelamente a un documental tan sencillo, corre el arte de la psicogeografía. La literatura británica está repleta de psicogeógrafos y adivinos de las propiedades ocultas del paisaje, desde el seguidor de líneas ley de la década de 1920 Alfred Watkins hasta el folclorista George Ewart Evans y, más recientemente, Iain Sinclair y Robert Macfarlane. El propio Sinclair comenzó como tirador de metraje amateur de Super 8 a fines de la década de 1960 y ha colaborado con su amigo y colega Chris Petit en, por ejemplo, la documentación de la autopista M25, London Orbital (2002).

Derek Jarman & amp; rsquo; s Un viaje a Avebury (1972)

Un viaje a Avebury de Derek Jarman (1972)

Los equivalentes cinematográficos incluyen el poético Super 8 de Derek Jarman Un viaje a Avebury (1972), Patrick Keiller Londres (1994) y Robinson en el espacio (1997), la versión más caprichosa de Andrew Kötting Callejear (1996), y la road movie artística de 110 minutos de Andrew Cross An English Journey (2004), filmada desde la cabina de un camión contenedor que se dirigía desde Southampton a los parques de distribución en Midlands. (El largometraje más reciente de Petit, Content, también investiga el fenómeno del transporte de contenedores entre sus temas de nihilismo urbano e intimidad digital).

Según un crítico, la película de Cross encapsula “un aburrimiento productivo en el que es posible detenerse y considerar cómo los cambios sociales (como la globalización) se manifiestan en el paisaje; cómo la tierra atendida misma ha estado, desde el advenimiento de la agricultura, constantemente en un estado de flujo heracliteano “. Otra película de Cross, English Field, que formó parte de la misma instalación, examina la llanura de Salisbury desde el punto de vista de un planeador, una comunión con el paisaje de Wiltshire donde Cross se crió y su padre cultivó.

Se puede encontrar un tipo diferente de estudio de la geografía del país en la serie de larga duración de Películas de transporte británicas producido por la Comisión de Transporte desde 1949 en adelante. Proyectadas en cines de todo el país, las películas, con un promedio de 20 minutos cada una, son poemas de tono destinados a inspirar al público a comprar un boleto a Arcadia Junction y reconectarse con el paisaje y la historia que la vida de la ciudad oculta.

El espectáculo de los tres condados de Hereford o las aldeas de Cotswold representadas en El corazón de Inglaterra (1954) o el desfile del legado de los Tudor en La Inglaterra de Isabel (1957) confirmaron la belleza, la maravilla y el misterio del interior y la periferia de la nación. Los comentarios amanerados de las películas contienen la suposición tácita de que el impulso de búsqueda de placer del espectador está respaldado por un interés en la historia local.

Viaje al oeste (1953)

Viaje al oeste (1953)

“Nuestra tierra es muy antigua”, reza una típica voz en off de West Country Journey (1953), un panorama de las extrañas yuxtaposiciones de Wessex y Cornwall de costas balsámicas, ruinas artúricas y reliquias prehistóricas. “Hemos perdido sus orígenes. Nuestros campos crecen prolijos, nuestras manos se suavizan, olvidando sus inicios duros y duros. Pero en Dartmoor, el espíritu de nuestra isla parece surgir de los helechos, y encontramos en la roca erosionada su carácter fuerte y duradero “.

Transport Films sembró una generación de directores de fotografía clave. El camarógrafo de Holiday, por ejemplo, fue David Watkin, de 32 años. Siete años después, comenzó una larga asociación como director de fotografía de Richard Lester, trabajando en el vehículo de los Beatles Help! (1965), Cómo gané la guerra (1967) y la comedia negra postapocalíptica La cama sala de estar (1969), ambientada en un Londres baldío de porcelana destrozada y montones de polvo gigantescos.

Watkin era un maestro manipulador de la iluminación de rebote; sus piezas a balón parado a menudo parecen sucias y resecas. Su ojo de anticuario estaba funcionando a pleno rendimiento cuando buscó en distribuidores de segunda mano una lente Ross que databa de la década de 1850, a través de la cual filtrar el drama histórico antibélico de Tony Richardson The Charge of the Light Brigade (1968).

El editor de esa película era Kevin Brownlow, a quien Richardson había ayudado en 1964 a completar la película de historia alternativa vívidamente imaginada It Happened Here, y quien luego co-creó Winstanley, una película cuyos impulsos libertarios coincidían con la libertad clandestina. movimiento de festivales. (El grupo de Ranters que se entromete en el campamento de los Diggers en St George’s Hill en Winstanley fue interpretado por “Diggers” de la vida real de hoy en día, dirigido por Sid Rawle, legendario organizador de festivales gratuitos en Windsor y Watchfield).

De hecho, es productivo ver una película como Winstanley en una triangulación temática con documentales de festivales de música como Message to Love (sobre el Festival de la Isla de Wight de 1970, que se convirtió en un asedio violento) o Glastonbury Fayre (1972), y la serie Arthur of the Britons (1972) de HTV, que reformuló el glamoroso corpus arturiano como una serie de luchas territoriales entre británicos, sajones y celtas, defendiendo sucios asentamientos temporales que se parecían asombrosamente al festival de rock rural.

Demonios sagrados

Blood on Satan & # 039; s Claw (1971)

Blood on Satan’s Claw (1971)

Los huesos y la antigua nave espacial excavados en la arcilla húmeda en la estación de metro de Hobbs End en Quatermass y el pozo (1967) se reflejan, varios años después, en la escena inicial de Piers Haggard Sangre en la garra de Satanás (1970). Al igual que la película Quatermass, su trama gira en torno a un objeto siniestro batido desde el subsuelo: una calavera espantosa desenterrada por el arado de un granjero que convierte a los jóvenes de un pueblo del siglo XVII en un culto pagano de madera con una inclinación por los sacrificios de sangre eróticos. .

Hay una magia genuinamente malévola en funcionamiento aquí; y como en Witchfinder General, no se presenta como un cuento de hadas, sino como una erupción de terror en una comunidad de trabajadores. Este tropo común en el cine británico – el descubrimiento repentino de un objeto enterrado durante mucho tiempo y la inquietud y el caos que inflige en su entorno – se encuentra directamente en la tradición literaria macabra de Arthur Machen, Algernon Blackwood, MR James, etc. En términos metafóricos, este es el efecto de perturbar capas asentadas de historia compacta.

En Quatermass and the Pit, luego de una de las excavaciones arqueológicas menos rigurosas jamás realizadas, el profesor rastrea archivos locales y descubre registros de perturbaciones del suelo que llevaron a ‘sucesos extraños’ y avistamientos fantasmales que se remontan a 1341. Hobbs Lane, donde un La estación de metro se está ampliando, se revela bajo su nombre popular original: Hob’s Lane – ‘Hob’ una vez fue “una especie de apodo del diablo”.

Fen de Penda (1974)

El mismo tipo de trabajo de detective literario proporciona la clave para Fen de Penda (1974), una de las series más impresionantes de la BBC “Play for Today”, dirigida por Alan Clarke. El guión de David Rudkin se centra en el adolescente Stephen, que vive con su padre vicario en Pinvin, una aldea remota en Malvern Hills. A punto de reconocer que es gay y albergar una obsesión con la música de Elgar, Stephen se sintoniza con el espíritu persistente del paganismo en su área mientras desentraña la etimología de Pinvin: Pendefen = Penda’s Fen.

La comprensión llega a casa cuando toca la ‘discordia visionaria’ de Elgar de El sueño de Gerontius en el órgano de su iglesia local, y el pasillo se desgarra, liberando el alma del rey guerrero enterrado del siglo VII, Penda de Mercia, quien elogia a Esteban como un “demonio sagrado de ingobernabilidad”, y le ordena apreciar sus atributos “extraños, oscuros, verdaderos, impuros”, las cualidades deseadas para renovar el espíritu de la antigua Gran Bretaña.

El hombre de mimbre (1973)

Después de todo, como la perdurable película de culto de Robin Hardy El hombre de mimbre insistió el año anterior, el paganismo todavía se podía encontrar vivo y coleando en la Gran Bretaña de los 70, si supiera dónde buscar. La sociedad ritual alternativa que atrae al sargento cristiano Howie a su red en Summerisle, dirigida por el personaje del mago de Christopher Lee, que ha elegido “reverenciar la música, el drama y los rituales de los dioses antiguos”, existe en un Edén propio. haciendo (pista: su principal exportación son las manzanas).

Mientras el hombre de mimbre del sacrificio resplandece en la famosa secuencia final, el choque de sistemas de creencias se lleva a cabo a través de la música: Howie irrumpe en el Salmo 23 en un desesperado contrapunto al “Sumer Is A-cumen In” de los isleños. Las canciones chirrían unas contra otras, pero el cristiano es consumido por el fuego.

El Hombre de Mimbre se adentra con osadía en el cofre de la memoria tribal anglosajona y, en la batalla entre los dioses antiguos y el culto judeocristiano que los suplantó, declara victoriosos a los paganos. Como dijo más tarde el guionista de la película, Anthony Shaffer, acerca de estos impulsos profundamente arraigados: “Cuanto más lo recortes, más crece”.

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